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"Liars For Hire Ep.I" de Just Arrogant Animals: Rock, Blues y Metal en estado puro.

La banda Just Arrogant Animals, originaria de Kawartha Lakes, Ontario, Canadá, ha lanzado su nuevo álbum titulado "Liars For Hire Episode I". Este cuarteto poderoso ofrece una emocionante fusión de riffs contundentes y electrificantes, ganchos pegadizos y un toque de arrogancia bluesera en su música que nos hará viajar en lo más profundo de las emociones humanas.


"Liars For Hire Episode I” es el nuevo trabajo musical de la banda Just Arrogant Animals, en él a través de sus letras se exploran temas de agitación social, luchas personales y la búsqueda eterna de individualidad en un mundo que a menudo exige conformidad. La banda presenta una increíble composición lírica e instrumental introspectiva que se autodefine como “sin filtros” y que resuena con el espíritu indomable de su audiencia.

Acompáñanos en este artículo para hacer una detallada revisión Track por Track de este increíble lanzamiento que la banda “Just Arrogant Animals” ha traído para nuestro deleite auditivo.



Track-by-track Review


Track 1: “Home”

"Home" abre el álbum con una profunda introspección hacia el viaje del autoconocimiento. La canción inicia con la presencia armoniosa de la batería, guitarras y bajo al unísono, pero lejos de ser un inicio explosivo, este genera de inmediato un aura relajada que inspira en el oyente una instantánea sensación de espacio para la reflexión personal.


Al cabo del tercer compás, se suma la imponente voz de Kyle Knowles, quien a través de las primeras estrofas nos comienza a contar esta historia. A través de la letra, nos encontramos con un protagonista que tiene la sensación de estar perdido pero a la vez muy determinado a reencontrarse consigo mismo.



Esta autodeterminación es evidente desde el inicio, en las frases: “Just need to find myself again", "Just need to give myself a chance, To get from under the weight of circumstance" ("Solo necesito darme una oportunidad, para liberarme del perso de las circunstancias") expresando constantemente la necesidad de encontrar fuerza en sí mismo para superar los obstáculos que se le presentan.


La estructura musical que acompaña a esta historia impresiona por su increíble mezcla, permitiendo diferenciar cada instrumento de manera clara por si solo el canal estéreo y dándole a cada sonido su espacio para brillar. Además, en general, la canción se percibe sin prisa; la disposición de las secciones instrumentales entre versos ayuda a crear esta sensación de espacio para la reflexión que está experimentando el narrador y de esta manera se la transmite de manera efectiva al oyente.


“Home” además de destacar por la intensa temática sobre la cual trata y su increíble calidad de sonido, también destaca por su solo de guitarra magistralmente estructurado, el cual actúa como un clímax para el oyente, evocando aquella sensación de autodeterminación en medio de la adversidad y haciendo incluso que el proceso de autodescubrimiento resulte excitante.


Es destacable analizar que el narrador menciona numerosas veces que si bien está perdido, menciona que está “Volviendo a Casa”, lo cual explica por qué está tan decidido a continuar. Esta idea nos lleva a una interesante e intrigante reflexión: ¿realmente conocemos el camino de regreso a nuestro lugar seguro y de pertenencia?


Muchas veces cuando nos sentimos atrapados o cuando hemos dejado nuestra esencia atrás en un intento desesperado por escapar de aquellos estados mentales tomamos decisiones apresuradas incluso llevándonos a cometer errores, pero de nada sirve si quiera intentar escapar de ello si es que no conocemos hacia donde vamos. Es por ello por lo que esta canción por medio de su estructura musical sólida y una interpretación vocal convincente logra transmitir la importancia de darnos nuestro espacio de reflexión frente a esta pregunta, para así antes de que demos el primer paso hacia la perdición, primero miremos hacia atrás sobre el camino que hemos trazado, y así volver sobre nuestros pasos para finalmente regresar a donde pertenecemos.

 

Track 2: “Rattle in My Bones”

“Rattle in my Bones” es el Segundo Track de este increíble lanzamiento. La letra de la canción nos describe una sensación de cambio en la vida del cantante. Todo parece diferente y ajeno, como si fuera un extraño caminando dentro de su propia piel. Esta sensación indica que está listo para comenzar algo nuevo.


Resulta interesante analizar esta canción en conjunto con “home” puesto que esa sensación extrañeza de la cual habla el narrador puede tener una directa conexión con lo que llevó a perderse, y es que en el segundo verso se nos entregan más detalles.



A medida que la canción avanza se habla de una ruptura amorosa o separación pero que a pesar de ello el protagonista parece sentir cierta atracción y nostalgia hacia la persona de la que se separó. La frase "You put the rattle in my bones" de forma repetida, podría interpretarse como una referencia a que aquella persona de la que se separó ha despertado algo vital y emocionante en la vida del cantante lo cual le entrega dicha fuerza interna mencionada en “Home”.


Musicalmente “Rattle in my bones” además destaca de inmediato por presentar una composición musical diferente. La increíble presencia del bajo, interpretado por Bri Maharaj quien posee una increíble precisión a la hora de darle la estructura base de la canción desde un inicio, junto a una percusión que reemplaza el sonido del snare por un clap hacen un juego magistral para lograr que esta canción sea muy pegajosa rítmicamente.


También se utiliza un recurso musical muy interesante, puesto que al llegar al coro de la canción las guitarras se unen a la línea de bajo replicando la estructura melódica de la voz. El conjunto de estos elementos hace que nos encontremos sin duda en presencia de una de las mejores canciones de la banda, que más que tratarse de un simple Track, es un verdadero himno.


 

Track 3: “Black Widow”

El disco continúa con “Black Widow”, el cual es el tercer Track de este impresionante álbum.


Esta canción destaca de inmediato por ser una canción mucho más pesada y potente, debido a que tiene un sonido mucho más orientado al Hard rock incluso incluyendo algunos elementos de metal.


"Black Widow" es una canción que gira en torno a temas de traición, venganza y engaño en una relación romántica. La letra retrata a un narrador que ha sido traicionado por su pareja, a quien llaman "Black Widow" (Viuda Negra). "Black Widow" es un término que se utiliza para describir a una mujer que es vista como traicionera o manipuladora hacia sus parejas románticas.



Musicalmente, es una canción que guarda una correcta relación con su temática, puesto que su enérgica percusión y sus pesados riffs de guitarra que en esta oportunidad son acompañados de una distorsión tipo overdrive transmiten un fuerte sentido de enojo y dolor que siente el narrador. La voz de Kyle se mantiene constantemente bordeando su rango superior desde el inicio.


La letra nos habla de cómo el protagonista al descubrir la infidelidad de su pareja ("You sleeping in my bed with another man" - "Tú durmiendo en mi cama con otro hombre".) experimenta emociones intensas que lo llevan a perder la cabeza, sin embargo puede puede ver la situación con claridad ("I've lost my mind but I'm seeing things pistol clear" - "He perdido la razón, pero veo las cosas claramente") haciendo alusión nuevamente al poder interior y la autodeterminación.


Uno de los aspectos más destacables de “Black Widow” es su increible interpretación de guitarras donde es posible apreciar tanto Kyle como a Mike Murczek (Guitarrista) llevar a cabo una especie de conversación, donde ambos se toman su espacio para poder realizar arreglos de guitarra y expresarse libremente.


 

Track 4: “Mister In-Between”

Mister In-Between es sin duda una de las canciones más destacadas de este álbum, puesto que se diferencia ampliamente de las demás por tener un sonido más nostálgico orientado al sonido de una balada rock.


La canción comienza con unos suaves acordes de guitarra que le entregan un aura de calma y reflexión. Sin embargo, es una canción increíblemente exigente en el plano vocal. Aquí es posible apreciar la impresionante voz de Kyle en toda su expresión, debido a que se desenvuelve sin problemas cantando a lo largo de dos octavas realizando diferentes matices que van desde lo suave a lo potente.


La temática de “Mister In-Between” trata sobre una persona que se siente atrapada en un estado de incertidumbre o limbo en una relación, por lo que posiblemente guarda una estrecha relación con “Black Widow”. La letra sugiere que la pareja de la persona ha seguido adelante ("Supongo que hace más frío donde estás") y ha dejado a la persona sintiéndose abandonada y olvidada. Hay referencias a sentirse solo e ignorado ("Hay un letrero de alto en el bar, todas las moscas tienden a ignorar").


Los versos "Tú no eres el ángel de mis sueños, no quiero llamarte y causar una escena fea" sugieren que el hablante ha aceptado la realidad de la situación y ya no quiere aferrarse a una relación que no funciona. Se siente como si fuera el "señor en el medio" o "Mister In Between", atrapado en un lugar indefinido entre el pasado y el futuro.


Es interesante analizar esta canción desde la perspectiva temporal, puesto que por el orden en el que está dispuesto el álbum, “Mister In-Between” parece tratarse de un flashback hacia lo que el protagonista enfrentó hacia un pasado y hoy lo canta desde un tiempo presente en el que aunque con nostalgia ya lo percibe como un problema ya superado y se siente con la suficiente determinación para seguir adelante.


Además, si es que esta canción no guarda alguna relación con una conexión temporal con los Tracks anteriores, reflejaría perfectamente la “montaña rusa” de emociones asociadas a la incertidumbre a la cual nos enfrentamos como seres humanos cuando hemos enfrentado rupturas amorosas que desafían nuestra capacidad para discernir entre si hemos hecho lo correcto o no.



 

Track 5: “Can’t Stop Dancing”

"Cant Stop Dancing" presenta un enfoque rítmico fuerte, influenciado por el funk, lo que se traduce en una composición vibrante y llena de energía. La estructura instrumental está cuidadosamente diseñada para crear una sensación "bouncy" que invita al oyente a moverse al ritmo de la música. Destaca especialmente la magistral interpretación de la batería a cargo de Pat Sabyan, quien incorpora numerosos arreglos en el hi-hat y deslumbra con impresionantes redobles, demostrando su talento y habilidad en el instrumento.


En cuanto a la temática, la canción profundiza en las relaciones tóxicas, presentando un narrador atrapado en una montaña rusa de emociones provocadas por su pareja. Se sugiere que la relación es compleja y llena de altibajos emocionales. El estribillo "I can't stop dancing around the answer, Your love spreads like a cancer" expresa la incapacidad del cantante para liberarse de esta relación a pesar de los problemas evidentes. Aquí, la metáfora del baile refleja la lucha interna del protagonista por encontrar una solución o respuesta a los conflictos en la relación, mientras que la comparación del amor de su pareja con un cáncer enfatiza la naturaleza destructiva e incontrolable de este sentimiento.


Es interesante cómo, a pesar de abordar una temática profunda y compleja, la canción mantiene una atmósfera relajada y fluida. Esto podría representar la dualidad de las relaciones intensas, que pueden hacernos sentir realmente vivos aunque nos hagan daño.


En el contexto del álbum, "Cant Stop Dancing" cumple una función valiosa al ofrecer un respiro auditivo entre canciones, como la emotividad de "Mister in Between" y la potencia de "Napalm" que le procede. Su energía y ritmo contagioso brindan una experiencia única y equilibrada al oyente, aportando variedad y versatilidad al conjunto del trabajo musical.

 

Track 6: “Napalm”

“Napalm” es sin duda una de las canciones más potentes que los chicos de Just Arrogant Animals han incluido en este lanzamiento. En ella desde el comienzo es posible apreciar una escencia orientada a un sonido mucho más hard rock.


En "Napalm" se explora la rabia, la crueldad y los sentimientos de venganza. La canción parece hablar sobre la intensidad del odio y cómo esa emoción influye en las acciones del protagonista.



El primer verso indica que alguien ha enfadado profundamente al narrador, y este último responde diciendo que espere y vea lo que sucederá en un tono desafiante. Luego, el narrador se compara con esa persona que lo hizo enojar, diciendo que, según su punto de vista, esa persona también es cruel, posiblemente sugiriendo que ambos tienen características negativas similares y que dichos sentimientos son el resultado de una simbiosis emocional. (“I said just wait and see, as far as I can tell your just as cruel as me”.)


Es notable que la guitarra rítmica no se limita simplemente a marcar los acordes de la canción, sino se explaya libremente realizando melodías propias de una guitarra líder pero a lo largo de toda la canción. La inclusión de sintetizadores en el coro hace que el espectro de onda viaje a lo largo de todo el canal estereo generando una sensacion de absoluta amplitud auditiva.

Esta combinación de factores musicales hace que "Napalm" sea una pista inmensamente poderosa y cautivadora que resuena con aquellos que buscan un sonido hard rock intenso y emocionalmente cargado que les permite explorar la rabia y la ira con total sinceridad y honestidad.


 

Track 7: “Solo”

En “Solo” nos encontramos con un protagonista que esta expreimentando sentimientos de soledad, independencia y autodescubrimiento. El narrador de la canción expresa que ha pasado mucho tiempo desde que alguien le habló, lo cual puede implicar que ha estado aislado o alejado de las relaciones personales o sentimentales.


La canción comienza de manera impresionante con una intensa distorsión de bajo a la cual se le une una guitarra eléctrica con una suave distorsión tipo overdive. La percusión se une de inmediato enfocándose principalmente en el uso del bombo y los toms de la batería, en adición con un pandero que recae en el tercer tiempo.



Esta combinación de elementos instrumentales generan una sensación de suspenso en el oyente, puesto que evoca una especie de “preparación” para luego explotar, sin embargo la canción no alcanza su climax hasta el minuto 2:15 cuando Kyle con su interpretación vocal realiza notas altas a modo de puente para darle espacio a un increíble solo de guitarra que presenta un sonido tipo vintage, con indudables influencias de grandes artistas como “Jimmy Hendrix”.

El coro de la canción "I fly solo" (Yo vuelo solo) enfatiza la idea de que el protagonista está acostumbrado a estar solo y prefiere vivir su vida de manera independiente, sin depender de otros. Parece haber experimentado situaciones en las que alguien se ha acercado emocionalmente a él ("the last time that you were dancing with me") pero él rechaza esos sentimientos y prefiere mantenerse distante ("You go so low I know what that means").


El verso "You knew the risks when you planted a seed, It's a slow grow when you dealing with me" parece indicar que las personas cercanas a él saben que él es alguien difícil de conectar emocionalmente ("dealing with me") y que cualquier relación que intenten establecer con él puede llevar tiempo ("It's a slow grow"). Sin embargo, a pesar de ello, parece que el protagonista se siente cómodo con su estilo de vida y decisiones ("I'm a man you can't control") y prefiere estar solo a cambiar su forma de ser para complacer a los demás.


El estribillo "I fly solo" se repite varias veces a lo largo de la canción, enfatizando la idea central de independencia y solitud del protagonista. También menciona que ha estado buscando una victoria o triunfo ("I really needed a win") en su vida, lo que puede implicar que ha pasado por dificultades o luchas personales y está esperando algo que le dé una sensación de logro o satisfacción.


Otro aspecto destacable en el sonido de esta increíble canción a nivel de producción es que la voz presenta una saturación controlada, lo cual le proporciona una potencia extra que en conjunto con la composición instrumental ayudan a obtener una sensación más cruda e intensa.


 

Track 8: “The Devil Knows”

Finalmente llegamos al último Track de este increíble disco. A este punto es innegable sentir que no queremos que termine, sin embargo “The Devil Knows” es una composición musical que destaca por satisfacer al oyente debido a que a lo largo de sus casi 4 minutos crea el cierre perfecto para este lanzamiento.


En "The Devil Knows" se nos presenta a un protagonista que ha vivido tiempos difíciles y oscuros, posiblemente haciendo alusión a todo el viaje emocional que expresa a través de todo el disco. Pero su principal particularidad en cuanto a la composcion lirica reside en que el narrador expresa su frustración hacendo énfasis en el tiempo perdido. La letra parece hacer referencia a cómo en el pasado, esa persona y otros podrían haberse alejado de sus problemas o enfrentado dificultades sin abordarlos directamente.


Esta es una situación que sin duda todos hemos enfrentado en algún momento ¿Qué tal si no hubiese pasado lo que pasó? ¿Qué tal si las cosas hubiesen sido diferentes?



Esta incertidumbre se enfatiza a lo largo de la frase "I'm walking on fire, I can't stand the flames" (Estoy caminando sobre fuego, no puedo soportar las llamas) smbolizando que el narrador se siente atrapado en su dolor por la falta de opciones que no le dejaron mas opcion que continuar adelante.


El estribillo nos describe algo muy interesante. Y es que se nos hace inevitable que luego de escucharlo por primera vez nos preguntamos de inmediato. Una vez que el corazón de una persona ha sido corrompido, ¿Están ellos destinados a la miseria y a seguir un camino de perdición?


A través de las frases: Those dirty liars, They can't complain, Because it's hard to change when the devil calls your name" (Esos sucios mentirosos, no pueden quejarse, porque es difícil cambiar cuando el diablo llama tu nombre) lo cual parece mostrarnos aquella interrogante desde la perspectiva de un narrador que siente que su contraparte está condenado a cometer errores una y otra vez una vez que el mal ha dejado una marca en su vida.


Musicalmente es una canción que destaca por su larga introducción, donde todos los instrumentos se toman el espacio suficiente para poder añadirse a la composición de manera gradual.


Es destacable que la percusión de la canción tanto al inicio como al final, por alguna razón nos recuerda a los latidos de un corazón, ayudando a expresar dolor del protagonista de esta historia y que sus emociones emanan de lo mas profundo de su interior.



 

"Liars For Hire Episode I" es un álbum que sin duda muestra la versatilidad y el talento de Just Arrogant Animals. Con su fusión única de rock, blues y metal, la banda logra transmitir una gama emocional diversa a través de sus letras introspectivas y su potente música. Cada pista en el álbum cuenta una historia distinta pero que guarda una perfecta correlación de manera sutil para crear una sola magnifica obra, La interpretación apasionada de la banda además de su sonido orgánico logra capturar la esencia de cada tema para resonar en sus oyentes.


Just Arrogant Animals ha creado una obra musical que tocará el corazón de aquellos que buscan música que emana de las emociones más viscerales del ser humano, hablando directamente desde el espíritu y la realidad de las emociones humanas. "Liars For Hire Episode I" es un álbum que sin duda debes agregar a tu colección de música, ya que ofrece una experiencia auditiva emocionante y única para todos los amantes del rock, blues y metal.


Y lo mejor de todo… Si existe un Episodio I, ¿hay posibilidad de que Exista una secuela?


¡Averígualo siguiendo a Just Arrogant Animals en sus redes sociales, y no te pierdas de sus noticias y nuevos lanzamientos!



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